Comment le combat de Doom évolue aux côtés de la musique metal moderne

La connexion durable de Doom avec la musique métal est indéniable. Une seule note de toute bande sonore Doom évoque instantanément l'imagerie démoniaque de la série, reflétant l'esthétique de groupes comme Iron Maiden. Cette relation symbiotique entre le gameplay et la musique a évolué à travers les 30 ans et plus l'histoire de Doom, traversant divers sous-genres métalliques. De Thrash Metal Origins, la franchise possède désormais l'intensité du métal de malheur: les âges sombres .

Le Doom original de 1993 s'est inspiré de la fin des années 80 / au début des années 90, des géants métalliques comme Pantera et Alice dans les chaînes, évidents dans des morceaux comme "Untitled" (E3M1: Hell Keep), qui fait écho à "Mouth of War" de Pantera. La bande sonore globale a incorporé des éléments de thrash rappelant Metallica et Anthrax, complétant parfaitement l'action viscérale au rythme rapide du jeu. Le score de Bobby Prince reste emblématique, reflétant le jeu de tir passionnant du jeu.

Cette synergie s'est poursuivie pendant plus d'une décennie jusqu'à l'expérimental Doom 3 (2004). Ses éléments d'horreur de survie exigeaient un paysage sonore différent. Alors que l'implication de Trent Reznor a été initialement envisagée, Chris Vrenna (ongles de neuf pouces) et Clint Walsh ont finalement composé la bande sonore, s'inspirant du son atmosphérique et progressif de Tool. Le thème principal de Doom 3 , avec ses signatures temporelles complexes, souligne parfaitement le cadre d'horreur de science-fiction du jeu.

Bien que réussi commercialement, l'approche d'horreur de survie de Doom 3 est désormais considérée comme une valeur aberrante. Cela a coïncidé avec un changement dans le genre FPS (Call of Duty, Halo) et l'évolution du métal au-delà de l'influence décroissante de Nu-Metal. La direction inspirée de l'outil s'est avérée un choix judicieux, ce qui a entraîné un score inconnu.

Le redémarrage de Doom 2016 a marqué un retour triomphant en forme. La bande originale de Mick Gordon, un chef-d'œuvre de Djent, a parfaitement égalé le combat intense et rapide du jeu. L'impact de l'album est indéniable, dépassant sans doute l'original.

Doom Eternal (2020), tout en mettant en vedette le travail de Gordon, a fait face à des complexités de production, résultant en une bande sonore avec une sensation moins unifiée. S'appuyant fortement sur le métalcore répandu à la fin des années 2010 / au début des années 2020, il reflète le travail simultané de Gordon avec Bring Me the Horizon and Architects. La bande-son, bien que toujours lourde, est moins brute que son prédécesseur, reflétant l'ajout d'éléments de plate-forme et de puzzle du jeu.

Personnellement, je préfère l'intensité brute de la bande originale de Doom 2016 au métalcore plus raffiné d'Eternal . Cependant, l'expérimentation d'Eternal est louable.

Doom: The Dark Ages présente une perspective intrigante. Le gameplay initial révèle un rythme plus lent, mettant l'accent sur le combat de mêlée avec un bouclier. Les compositeurs terminant le mouvement (Borderlands 3, le protocole de Callisto) semblent s'inspirer du métal classique et moderne, reflétant le mélange d'éléments de destin classiques et de nouvelles mécanismes.

Le rythme le plus lent du gameplay, contrasté avec le combat des mechs et l'équitation de dragon, nécessite une bande sonore flexible. Les extraits révélés font allusion à la fois sur les pannes d'écrasement des éléments lâches et inspirés de Thrash qui rappellent le destin original, faisant écho aux thèmes lyriques médiévaux / sataniques trouvés dans le métal antérieur.

Doom: The Dark Ages promet une évolution passionnante, en s'appuyant sur les forces de la série tout en incorporant de nouvelles idées. Le combat du jeu restera sans aucun doute central, la bande sonore servant d'accompagnement atmosphérique. Les aperçus offerts jusqu'à présent génèrent une excitation considérable pour un nouvel album potentiel de métal préféré accompagnant la sortie de mai.